Modelaje (II)

 

Autores: Sandra Fernández Martínez y Adriano Fortarezza Patiño.

10 consejos para usar bien tu reflex digital

Acabas de comprarte una Reflex Digital, después de usar una compacta sencilla durante varios años. Y te encuentras con miedo a no saber sacar lo máximo de la cámara, o quedar en ridículo porqe vas a hacer peores fotos que con la compacta.

Si realmente te interesa dar un paso más en tu afición a la fotografía, no te preocupes y comienza con estos 10 consejos básicos para quitarle el miedo a tu cámara reflex. Verás cómo logras muy buenas imágenes en un par de días. 

1) (Re)Lee un curso o manual básico de fotografía

Aunque ya lo hubieras leído en su día, deberías refrescar todo lo básico de la fotografía. Y tener el material accesible por si en alguna ocasión tuvieras alguna duda.

2) Lee el manual de tu cámara

Es imprescindible leerlo. Aunque te parezca que está en alemán ...y si lo está consigue una versión en castellano.

Por lo menos léete el primer capítulo que suelen tener todos, donde describe las funciones básicas de la cámara y te indica cómo comenzar a tomar fotos. Y poco a poco deberías ir leyendo el resto (aunque algunas partes te puedan sonar a chino), que lo poco que se te vaya quedando te puede venir bien en más de una ocasión.

Pero no te lo aprendas de memoria, eh? cuando vayas avanzando en tus conocimientos ya verás que al final -por muy cara que sea la cámara- son 4 cosas las que vas a manejar a diario, y normalmente estarán fácilmente acesibles, tanto en el manual como en la cámara. Y vas a comprobar que el 90% de lo que explica no lo vas a usar casi nunca, o a lo sumo 1 vez para ajustarlo a tu gusto. Pero hay que leerlo.

3) Pon la cámara en modo de "Prioridad a la Abertura"

Olvidate del modo totalmente automático como tenías en la compacta (que también tienen todas las reflex, pero "está prohibido usar"), pero tampoco te lanzes a usar tu reflex en modo "M", esto déjalo para los frikis o para cuando tengas más experiencia (y ganas de experimentar).

En el modo "A" (Av en algunas marcas) tendrás control casi completo sobre la forma en que saldrán tus fotografías, a la vez que estarás libre de errores de cálculo, pues dejarás que el fotómetro de la cámara elija por tí la mejor exposición.

Ajusta la abertura en F8 para casi todas las situaciones, pues el 90% de los objetivos dan la mejor calidad en esa abertura. Y en condiciones normales el 90% de las fotografías van a salirte muy bien así. Pero siempre fíjate (en el visor) en la velocidad de obturación que elige la cámara: en casos especiales (poca luz, necesidad de congelar un movimiento, etc.) tendrás que variar la abertura para que la velocidad se ajuste convenientemente. Y si ves que baja mucho ten cuidado pues te podrán salir trepidadas als fotos.

4) Saca las fotos en JPEG

Sí, todos sabemos que el RAW da mejor calidad. Pero tu cámara es una buena máquina fotográfica, y los JPEG que produce son excelentes en el 90% de los casos. Mientras que tu pericia con los "reveladores" RAW es escasa y lo harías bastante peor.

Además, no se trata de presentar fotos para una revista, sino demostrar a tus amistades que las fotos que sacas con la reflex son mejores que las que te salían con la compacta, no? ;)

Lo dicho: saca tus fotos en JPEG, y si piensas que en un futuro vas a querer "exprimirlas" al máximo, y tienes suficiente capacidad de almacenamiento (tarjetas y disco duro), dispara en RAW+JPEG y olvídate de momento de los primeros.

5) Deja la cámara con los ajustes básicos, casi

No intentes cambiar los ajustes de la cámara desde el primer día. Para tener bien preparado todo de base, como mucho puede ser aconsejable cambiar el parámetro de nitidez, pues casi todas las reflex lo tienen bajo. Igualmente puedes cambiar el estilo de foto a modo "vivido" o similar, para que el proceso interno de la cámara saque las fotos mejor acabadas. Aunque no imprescindible sí es una cosa que suele ser fácil -leyendo el manual, paso 2- y rentable.

Ajusta siempre el ISO mínimo de la cámara, salvo en casos de muy poca luz, o tomas de movimiento rápido, que puedes necesitar subirlo. Si tu cámara tiene un ISO automático avanzado puedes usarlo, pero siempre controlando el ISO que te elije. Ojo! no uses el flash incorporado salvo en casos de extrema necesidad: para interiores pon un ISO alto (800-1600 según la cámara darán resultados excelentes) y si lo tienes activa el estabilizador de imagen.

Finalmente no uses modos de escena, ni los que vienen en el dial ni algunos especiales: si necesitas algún caso especial lee en tu manual qué tipos de ajustes necesitas para ello, en vez de dejar que la cámara los elija sin darte explicaciones.

6) Intenta ver de otra forma el mundo, usa el visor

Al mirar por el visor ves exactamente lo que va a salir en la toma (bueno, con una precisión superior al 95% en todas las cámaras reflex). Y te abstraes del resto del mundo. Así tendrás mayor control sobre lo que entra en el encuadre, sin estar tan influenciado por el entorno. Aparte que te dará igual estar al sol o en sombra pues verás claramente lo encuadrado, cosa que ni con los mejores LCD actuales se puede ver.

Hay que dejar el "Live View" para casos muy especiales en que no se pueda o sea incómodo usar el visor. Y para un principiante no son esas tomas...

7) Procura componer mejor tus fotos

Lee artículos sobre composición, regla de los tercios, etc e intenta aplicarlos cuando saques tus fotos.

Comienza por la regla básica de no dejar el sujeto en el centro de la imagen, y procura siempre que tus fotografías sean simples: cuantos menos elementos haya en la imagen mejor, pues más fácil será componerlos y más difícil que la mirada del espectador se pierda y logres confundirle o no decirle nada. Ya tendrás tiempo para complicarte la vida ;)

8) Empieza a ver tus fotografías de otro modo

Es decir: mira el resultado con ojo más crítico, y compáralas con las que puedes ver en galerías on-line de fotógrafos acreditados. Observa qué es lo que te gusta en tus fotografías e intenta decidir qué ha fallado en una toma, para otra vez corregirlo.

Sobre todo mira el trabajo de otros, para ver qué es lo que te gusta de lo que hacen e intentar imitarlo. Tu propio estilo ya lo crearás cuando hayas avanzado en tu experiencia.

9) Dale al botón sin miedo

Lo bueno de la fotografía digital es lo barato (casi gratis) que resulta hacer las fotos. Por eso dispara sin miedo, aunque pienses que repites tomas, porque siempre puede haber un imprevisto que te chafe ese encuadre tan especial, y ese imprevisto no lo vas a ver hasta que estés en casa y sea imposible repetirla.

Intenta por otro lado diferentes encuadres, diferentes ángulos de toma y diferentes elementos auxiliares, para comprobar luego como se ven esas composiciones.

Recuerda esas reglas de composición que leiste en algunos artículos (punto 7) e intenta aplicarlos de diferentes modos.

Insisto en que no tengas miedo de disparar y repetirte. Ya borrarás las que veas demasiado redundantes. Y con el tiempo verás que vas atinando con la composición que te gusta casi desde el primer disparo, pero no por ello dejes de intentar otros encuadres, que luego al ver las tomas finalizadas te puedes llevar sorpresas (agradables o desagradables).

10) Si no te sale bien, no es culpa del equipo

Con un kit básico de cámara reflex deberías obtener más calidad que con tu compacta anterior. Y las fotos deberían tener más nitidez y estar mejor enfocadas (o al menos igual). Los errores pueden ser tuyos, no de la cámara!

Nunca hagas un drama de la calidad, y después de 100 fotos comiences a plantearte el cambiar de objetivo a uno "pata negra", o cambiar el cuerpo de la cámara porque es muy básica y necesitas más posibilidades. O que quieres un teleobjetivo porque no te puedes acercar lo suficiente... Y ya de un trípode o un flash ni hablamos!

Como ya he comentado, con cualquier reflex básica no tendrás problemas en hacer fotografías dignas de exponerse (si no en un museo, sí en tu casa). Así que revisa lo que te ha salido mal, y piensa en qué casos no has aplicado correctamente lo leído sobre la composición o sobre las funciones de tu cámara.


Autor: Sandra Fernández Martínez

Elgorriaga: Análisis

Análisis preliminar del contenido.

a.  Producto y sector: Chocolate/Alimentación

b.  Producto y marca: La campana/Elgorriaga

c. Perfil psico-social del target: Padres y madres con hijos en edad escolar que recuerdan su infancia con cariño y quieren darle lo mejor a sus pequeños.

d.  Descripción temática del anuncio (denotación): Podemos apreciar una foto con efecto envejecido de dos niños jugando al fútbol, y a la derecha de la imagen, otra fotografía se le superpone. Esta otra es una imagen de la portería y de un niño con un balón, todo esto ya moderno, y se combina con la anterior imagen formando una sola. Debajo de la imagen, pone, escrito con letras escolares: “Hay cosas que no cambian nunca”. Luego, un breve texto apoyando ese lema y añadiendo que el chocolate Elgorriaga, es otra de esas buenas cosas que no cambian nunca.

e.  Connotación icónica y textual: Gracias a la foto con efecto envejecido, las personas de 40 a 50 años se darán por aludidas, reflejándose en esos niños que juegan con el balón y, al mezclarla con la imagen moderna, ven un reflejo de su hijo. De esta manera, mezcla las dos infancias, haciendo que se sienta unido a su pequeño. Al recordar esos tiempos felices, hace que quiera evocarlos en su hijo y qué mejor manera que el chocolate Elgorriaga, que, como dice el anuncio, es “el de toda la vida”.  

Análisis de los elementos morfológicos.

a.  Punto: La perspectiva de la imagen denota un punto de fuga invisible. Hay dos grandes estímulos visuales, a mi parecer, que son el balón y la campana. Estos estímulos se han colocado en la misma diagonal en cuanto al punto geométrico, lo cual crea un vector de dirección visual.  

b.  Línea: Podemos observar una línea que separa dos planos entre sí, que encuadra la fotografía moderna. También hay una línea que aporta profundidad a la escena, que es la acera. 

c.  Plano:  Hay un plano de representación, que es la foto antigua, y un plano como elemento icónico, la fotografía moderna superpuesta, que está claramente limitada por líneas.

d.  Color:  La imagen principal, es decir, la envejecida, es color sepia, y la imagen superpuesta tiene unos colores muy vivos, llamando así la atención del lector. En la foto moderna, el niño va vestido con ropa deportiva de un llamativo color rojo, y la portería tiene el mismo color, así como el lazo que cuelga de la campana, formando un cúmulo de puntos de atención en el que un punto te lleva a otro y viceversa.  

e.  Textura: Se pueden observar distintas texturas, en primer lugar las de las imágenes en sí, la envejecida tiene una textura desigual, con varios rasgones y trozos que parecen ásperos, mientras que la imagen moderna está perfecta e intacta. Luego tenemos la textura de lo que representa la imagen, y podemos diferenciar la de la ropa, la piel, la pared, el suelo, etc.

   

f.  Forma: Podemos distinguir dos imágenes, las dos fotografías, que son dos formas superpuestas. Las formas son vistas como independientes, mezclándose sólo gracias al contexto de lo que representan. Jerárquicamente, la foto antigua es la que más espacio ocupa, y por lo tanto la que primero observas, pero la imagen moderna, gracias a sus colores vivos y  el encuadre blanco, es la que más capta la atención. Gracias a la superposición se crea una tercera dimensión del plano, que es la suma de los dos.  

Análisis de los elementos dinámicos y narrativos.

a.  Tensión:  Gracias a la línea que se crea entre la campana, pelota y cabeza del niño, se observa una tensión que a su vez crea el dinamismo necesario para comprender la  escena. El hecho de que la imagen superpuesta esté en diagonal y tenga un fondo distinto al resto, también forma tensión, así como la portería medio desdibujada, que nos crea la necesidad de terminarla mentalmente.  

b.  Ritmo: La línea de la que hablaba en el otro apartado, la línea campana-pelota-cabeza, además de crear tensión, también influye a la hora de aportar ritmo a la imagen. Se observa un claro dinamismo en la imagen gracias a la perspectiva y a la imagen superpuesta, con la cual parece que esté pasando el balón de una realidad a otra.

c.  Narratividad: La narratividad en esta imagen está clara. Retrata el paso del tiempo, cómo al pasar 40 años algunas cosas siguen siendo iguales, y luego en el anuncio hacen  un paralelismo entre  esto  y el chocolate Elgorriaga, que se supone que tampoco cambia. La imagen antigua, con la imagen moderna superpuesta, pero mostrando a la vez el mismo juego, reflejan un paso del tiempo perfecto, las dos infancias retratadas como si fueran la misma, y ambas felices.

Autor: Sandra Fernández Martínez

Axe a fondo

                     Análisis preliminar del contenido.

a.      Producto y sector: Desodorante/Higiene 

b.      Producto y marca: Axe Anarchy/Axe

c.       Perfil psico-social del target: Hombres jóvenes de 20 a 35 años que quieren atraer al género opuesto. 

d.      Descripción temática del anuncio (denotación): En el anuncio se observan a dos jóvenes, un hombre y una mujer de 20 a 25 años. El hombre lleva un mono de trabajo y un soldador que expulsa una llama. Mientras la mujer viste arreglada con tacones y porta una bolsa de petardos cercanos al soplete. 

e.      Connotación icónica y textual: Tiene una clara connotación sexual. En cualquier momento los fuegos artificiales y el fuego del soplete se pueden unir y dar lugar al caos. Trata de comunicar que el olor de Axe es irresistible para las mujeres.


Análisis de los principios compositivos y técnicas visuales.

a.      Anisotropía: No hay anisotropía. 

b.      Adecuación al marco espacial: La imagen tiene un encuadre correcto, ya que los actores principales se encuentran en el centro de la imagen sobre un fondo simple. En la parte superior se aprecia el producto y el slogan de la marca.

c.       Estructura espacial: La imagen tiene una estructura espacial en la que aprecia en un primer plano el taller y los personajes principales sobre el fondo la calle soleada. Estando en un tercer plano el cielo en la parte superior derecha de la imagen.

d.      Pesos y fuerzas visuales: Hay una línea que es la puerta que separa de un modo claro a los personajes. Los objetos que portan en sus manos los protagonistas son lo que más peso visual tiene. Ya que destacan sobre el resto y le dan sentido al anuncio en su totalidad.

e.      Direcciones visuales de escena: La escena tiene un gran peso en su parte central. Una vez llama la atención, para comprenderla te guía hasta la parte superior derecha donde aparece el objeto y la marca, dotándola así de sentido.

f.        Técnicas visuales: Se aprecia una gran técnica de contraste en el fondo rudo del trabajador, siendo este sucio, oscuro y desordenado con el fondo de la chica con el color rosa claro y la luz del sol. Así como con los personajes y sus vestimentas que son todo lo contrario una de la otra. Podemos observar una tendencia a la exageración, siendo los elementos importantes (soplete y fuegos artificiales) más grandes de lo que deberían, y ocupando éstos un primer plano bastante destacable. Asimismo, la realidad se encuentra un poco distorsionada, los personajes parecen muñecos, la imagen resulta bastante parecida a la de un cómic. Se ve una clara simetría, donde la mujer es casi un reflejo del hombre.

Autor: Sandra Fernández Martínez

Ballantines: a análisis

1. Análisis preliminar del contenido.

Producto y sector: Alcohol/Social

Producto y marca: Whisky escocés/Ballantines

Perfil psico-social del target: Parejas, sin importar el sexo, de una capacidad adquisitiva alta y que gusta de moverse por las apariencias y el lujo. Y beber, claro.

Denotación: Se muestra una toma semicenital de lo que parece ser un restaurante de gente de bien. Sólo hay dos mesas ocupadas, dos camareros y tres parejas heterosexuales. La de la zona superior parece brindar por algún motivo jovial. Las sombras hacen sugerir un ventanal voluptuoso. Como es lógico, lo que hay sobre las mesas y con lo que brinda la feliz pareja es producto Ballantines. El rótulo textual y la imagen de la botella rasgan la imagen horizontalmente desde la parte superior del cartel.

Connotación icónica y textual: El gran ventanal indica grandeza, se trata de un sitio amplio y de gran tallado. Las mesas redondas, la pulcritud y la magnitud de la pose y atuendo de los camareros y los clientes hace entender una situación de control y lujo. Es importante destacar que en la imagen superpuesta aparece la botella de whisky con dos vasos on the rocks, junto al eslogan “Los mejores momentos”, por lo que queda claro que el objetivo es captar a las parejas.

2. Análisis de los elementos dinámicos y narrativos.

Tensión: La sombra del ventanal es el principal elemento tensionador de la imagen, haciendo referencia a la tensión producida por elementos escalares en la imagen. La superficie ocupada por la sombra es inmensa, aunque deja visibilidad a otras partes importantes de la imagen, lo que aumenta la tensión producida.

Ritmo: Las líneas del ventanal actúan como elemento dinamizador de la imagen y se puede interpretar como una deformación (la sombra) de la imagen, pese a que una arquitectura extravagante justificaría esa desproporcionada sombra.

Narratividad: Quizá haya narratividad en el sentido de que vemos a una pareja disfrutando de Ballantines y luego a otras dos que ya lo han disfrutado. En ambos casos parecen felices de haber consumido el producto. Más allá de eso no veo una narratividad clara en la imagen.

3. Análisis de los principios compositivos y técnicas visuales.

Anisotropía: La heterogeneidad espacial está regida por la zona central, funciona como una especie de centro equilibrante entre las diferentes partes dignificantes importantes de la imagen, que parece equilibrada pese a su aparente desmembramiento.

Pesos y fuerzas visuales: No existe punto de fuga en la imagen analizada. El vector direccional es la sombra del ventanal, que converge en dirección diagonal a la parte superior derecha de la imagen.

Técnicas visuales: Utiliza la técnica del eje vertical, mostrándonos en la parte superior lo que debería ser, lo perfecto, lo ideal, “los mejores momentos” y dos copas perfectamente fotografiadas y recortadas y retocadas con Photoshop CS5. Pero abajo nos muestran lo real, que tampoco es real, pero por algo es un anuncio, con las parejas disfrutando de su copa de Ballantines.

Autor: Adriano Fortarezza

Supersports: a análisis

1. Análisis preliminar de contenido:

a. Producto y sector: Canal de televisión y sector audiovisual.

b. Nombre del producto y marca: The French Open y Supersports.

c. Perfil psico-social del target: Hombres y mujeres a los que les interesa el tenis y no van a poder asistir a los encuentros en el estadio pero los quieren ver igual.

d. Descripción temática del anuncio (denotación): En el anuncio se puede apreciar el mango y la parte inferior de una raqueta de tenis negra, sobre el fondo con el color de cielo. También se puede leer los textos informativos del anuncio, sobre un rectángulo sobreimpreso que sirve de base para la torre Eiffel metonimizada.

e. Connotación icónica y textual: La principal connotación icónica es la similitud entre la forma de la raqueta y la Torre Eiffel. Tiene esta relación porque el campeonato se celebra en Francia y es el símbolo que mejor identifica a este país y concretamente a París, la capital, donde se celebra el torneo.

2. Análisis de los principios compositivos y técnicas visuales:

a. Principio de anisotropía: No observo anisotropía evidente, sin embargo la base de la Torre Eiffel metaforizada sobre el rectángulo negro proporciona una estabilidad a la imagen.

b. Adecuación al marco espacial: La imagen se aprovecha de recortar la totalidad de la imagen para mostrar solo lo que le interesa, adecuando su marco y centrando la imagen recortada. En la parte inferior de la gráfica está dispuesto el texto del anuncio.

c. Estructura espacial: En el anuncio se visualiza la raqueta de tenis en un primer plano céntrico, sobre un fondo azulado a modo de cielo. Tiene una estructura espacial bastante simple.

d. Pesos y fuerzas visuales: Existe punto de fuga en la imagen analizada. El vector direccional es la forma de la raqueta, simétrica, cuyos lados izquierdo y derecho convergen en el mango de la raqueta, en un solo punto.

e. Direcciones visuales de escena: La dirección visual de la escena es bastante simple ya que solo dispone de un objeto el cual dirige nuestra

atención hasta la parte inferior donde está el texto que ancla la imagen, revelando el servicio que anuncia.

f. Técnicas visuales: Se puede ver un gran contraste entre el color oscuro de la raqueta y fondo con color claro del cielo. Además usa bastante la simetría para crear el efecto de la Torre Eiffel. Destaca también lo bien usada que está la simplicidad, ya que con un solo objeto el anuncio es capaz de expresar todos los conceptos que busca. 

Autor: Adriano Fortarezza

Historia de la fotografía de moda

Si no existiese la fotografía, la moda no tendría fuerza ya que "una imagen vale más que mil palabras".

En 1830 apareció la fotografía y empezó retratando la arquitectura y la naturaleza para reflejar así la realidad del mundo. En 1850 la fotografía retrataba a la nobleza y a las actrices, fue evolucionando y en los años 20 y 30 se empezaron a ver fotografías comerciales y artísticas.  Era una fotografía vanguardista que estaba influenciada por corrientes como la pintura, el descubrimiento de nuevos aspectos modernos como la luz, el movimiento, las sombras, los encuadres, etc... y el surrealismo por su interés en captar imágenes irreales. Destacan en sus inicios fotógrafos como George Hoyningen, Baron Adolf de Meyer y Edward Steichen.

Baron Adolph de Meyer

Durante la Segunda Guerra Mundial, por las circunstancias propias de la guerra, no se avanzó en el campo de la fotografía de la moda, pero una vez acabada la guerra reaparecieron las ganas de “alegrar” el mundo y motivar al consumo, con lo que dichas fotografías volvieron a estar en auge. Esto se refleja en las portadas de las revistas de la época que muestran unas imágenes en movimiento que resaltan la silueta femenina. 

Richard Avedon

En los sesenta se reflejaban en las revistas mujeres que imitaban a las niñas y hombres más sexuales evocando a los Beatles y a estrellas del rock. David Bailey, fotografiaba en primera línea acudiendo a las mejores fiestas y actos importantes. En los años 70 aparece las revoluciones sexuales y sociales como los hippies, se produce un cambio estético que rompe con la elegancia, aparece una moda muy personal y polémica que fotógrafos como Helmunt Newton y Guy Bourdin reflejan. En los 80 surge una moda más comercial y publicitaria, prevalece el consumismo y una sociedad compleja que Oliviero Toscani refleja en sus polémicas fotografias. Llegan los años 90 y con ellos el minimalismo y el auge de las supermodelos. Los fotógrafos empiezan a caracterizarse entre ellos, adquiriendo su propia personalidad en las fotografías. Algunos de los fotógrafos más representativos de la época son David Lachapelle, Mario testino, Steven Meisel.

La historia de la moda del siglo XX no puede escribirse sin hacer referencias constantes a la fotografía. Las lentes de los fotógrafos han condicionado las creaciones de los grandes diseñadores, y éstas han servido de inspiración a los principales nombres de la fotografía.


Autor: Adriano Fortarezza

Historia del fotoperiodismo

En 1980 aparece por primera vez en un periódico una fotografía reproducida por medios puramente mecánicos. Hasta entonces raramente se veían reproducciones en prensa debido a que se necesitaba hacer un grabado en madera de la fotografía para poder así reproducirla. Un nuevo procedimiento inventado en Estados Unidos permitió mecanizar este proceso sin embargo tuvieron que pasar dos décadas para que la fotografía fuera común en los periódicos. Cuando el desarrollo tecnológico de los procedimientos de impresión a gran escala fueron posibles, nació  la fotografía de prensa.  Así comenzó el uso masivo de la fotografía en los medios de comunicación, lo que provocó su expansión y aceptación por toda la sociedad.

La inclusión de la fotografía en la prensa coincide históricamente con el desarrollo del periodismo moderno capaz de movilizar masas formando identidades colectivas. La estrecha relación que ha mantenido la fotografía con la prensa se ha contemplado como un fenómeno de capital importancia en la evolución interna que han experimentado los medios de información y comunicación de masas. Su incorporación en la prensa empezó a extender el concepto de la imagen como noticia. Desde los inicios, la imagen fotográfica significó para los diarios una nueva dimensión, tanto en su función informativa como en su vertiente empresarial. Se empezó a concebir el periodismo informativo y se comenzó a buscar rentabilidad económica, alcanzándose tiradas importantes. Gracias a la fotografía se democratizaba la información que antes había controlado la elite social y económica. La prensa lanzó la fotografía al mundo sacándola de los museos y academias culturales, acercándola a las masas y dándole una consideración informativa que hasta ese momento estaba reservada solo para el texto. 

Se puede decir que la fotografía en la prensa inaugura la era visual de los medios masivos.

La fotografía como documento en la prensa periódica se presenta como una fuente primordial de la que los historiadores pueden sacar mucho partido, ya que la historia de la segunda mitad del siglo XIX y la de todo el siglo XX se encuentra en las fotografías.

Autor: Adriano Fortarezza

La fotografía como arte

La fotografía no fue siempre considerada un arte. Se fue integrando en el arte con dificultad ya que inicialmente fue una cuestión muy discutida. Se puede decir que se la empezó a considerar arte con los fotógrafos realistas. ya que sus fotografías tuvieron gran acogida como reemplazo al retrato pintado ya que su coste económico era menor por lo que muchos pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para poder sobrevivir: Félix Tournachon, Gustave Le gray...

A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo, que intentaba imitar la realidad con un elevado grado de perfección, rechazando las técnicas subjetivas y superando ampliamente a la pintura. Fue el naturalismo la que le dio a la fotografía una verdadera importancia en el arte.

A la vez, el desarrollo de la fotografía en esa época con nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, mejoró el aspecto estético de las fotos lo que también la acercó hacia el arte. Más tarde se descubrieron otras técnicas que se fueron perfeccionando hasta que fue posible tener una caja con papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla y un obturador para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara la película.

La fotografía como arte y ciencia fueron evolucionando en paralelo y en cuanto fue posible crear una cámara que era un dispositivo móvil de fácil manejo, se hizo posible influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitía trasladar la subjetividad del fotógrafo a su trabajo y así ir construyendo un lenguaje artístico.

En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo.

Félix Tournachon fue el primer gran fotógrafo de la historia. Fue sin duda el más grande del siglo XIX, hasta el punto de que en Francia en esa época no eras nadie si Nadar no te hacía un retrato.

Autor: Adriano Fortarezza

La fotografía más cara del mundo

Estamos acostumbrados a escuchar todo tipo de cifras astronómicas relacionadas con la compraventa de obras de arte, principalmente cuadros. Picassos, Monets o Goyas cuyo precio en el mercado se dispara. ¿Ocurre lo mismo con las fotografías? la respuesta es SÍ.

Una vista de uno de los ríos más importantes de Europa, el Rin, realizada por uno de los principales autores de la llamada escuela de Düseldorf, una de las escuelas con mayores talentos fotográficos en la actualidad, Andreas Gursky, se ha convertido en la fotografía más cara del mundo al ser subastada por la casa de pujas Christie’s por unos 4.3 millones de euros. Christie's afirma que la pieza "es una obra maestra de escala e icono del aura del autor" en la que Gursky "evoca lo sublime con una perfección pasmosa de color y líneas a través de la invocación de un paisaje aparentemente natural”.

Hay otras cinco copias de la foto, una está en manos de un coleccionista privado y las otras cuatro forman parte de las colecciones permanentes de tres museos (el MOMA de Nueva York, la Tate Modern de Londres, el Museo de Arte Moderno de Múnich) y la Galería Glenstone de Potomac (Maryland, EEUU).

Bajo el título “Rhein II”, la primera copia de una serie de seis alcanzó esa cantidad récord, desbancando así a Untitled, de Cindy Sherman, cuyo valor había subido hasta los 3.2 millones de euros. Anteriormente a ésta,  Gursky tambíen tuvo el record de la fotografía pagada más cara por su “99 cent”. 

Gursky es uno de los fotógrafos más cotizados del momento, destaca por su monumentalismo, con imágenes de grandes obras arquitectónicas y panorámicas de paisajes en color, habitualmente a vista de pájaro. Su fotografía es considerada como una obra maestra por los expertos.


Autor: Adriano Fortarezza

Israel, primer país que legisla contra el retoque fotográfico

Desde un tiempo a esta parte venimos escuchando cómo en algunos países se empieza a plantear la legislación de la edición digital de imágenes utilizadas para publicidad. Israel ya ha dado el primero paso: la comisión de Trabajo, Bienestar Social y Salud del Knesset ha aprobado la ley que obligará a las agencias de publicidad, cosméticos y marcas de ropa a indicar muy claramente en sus anuncios si se ha utilizado Photoshop para relevar las virtudes del producto. A esta medida se añade la limitación de no poder usar modelos cuyo índice de masa corporal baje de 18,5.

Los fotógrafos que utilicen Photoshop para conseguir un cutis de porcelana, quitar cartucheras, hacer desaparecer granos y rellenar largas melenas deberán tener en cuenta que están obligados a poner el aviso de que la fotografía ha sido retocada, en un lugar bien visible. Ya no es posible la manipulación.

En otros países como EE.UU y UK los políticos se están planteando prohibir directamente tal práctica. En EE.UU la iniciativa fue promovida por una pareja que cree que sus hijos deben “crecer libres de la superficialidad y de la imagen corporal de la perfección”, que causa problemas psicológicos y físicos en el desarrollo y crecimiento de los adolescentes. Apoya  sus argumentos con cifras: el 80% de las mujeres se siente insegura con su imagen por culpa de la perfección de las estrellas y las modelos; mientras que el 71% de niñas siente que su aspecto “no está a la altura” sufriendo baja autoestima, según un estudio realizado por la fundación estadounidense Dove Self-Esteem.

Ponen como ejemplo la polémica causada por la hiperretocada imagen de Julia Roberts en una campaña  de Lancôme que tras las múltiples denuncias recibidas por el abuso del Photoshop y la sensación de irrealidad del rostro de la actriz, se retiraron las fotografías en Reino Unido.

Ahora nos queda por saber si se tratará de una decisión aislada o si otros países comenzaran a imitar la decisión de Israel y serán más tajantes con la cuestión como pretenden serlo allí.

Autor: Adriano Fortarezza

Instagram, el fast food de la fotografía

Instagram es una aplicación gratuita para compartir fotos con la que los usuarios pueden aplicar efectos fotográficos como filtros, marcos y colores retro y vintage y compartir las fotografías en diferentes redes sociales como Facebook, Twitter, Tumblr y Flickr. Una característica distintiva de la aplicación es que da una forma cuadrada y redondeada en las puntas a las fotografías en honor a la Kodak Instamatic y las cámaras Polaroid. Simplemente se toma una foto, se escoge un filtro para transformar su apariencia y se comparte con todos en Instagram. También se pueden comentar las imágenes y darles un “me gusta”. Ya no tienes que esperar para llegar a tu PC y abrir el Photoshop para hacer los retoques necesarios; la aplicación incluye todo esto y algunas otras opciones que vienen precargadas.

El desarrollo de este proyecto de fotografía móvil, lo iniciaron en San Francisco, Kevin Systrom y Krieger Mike y salió a la luz en Octubre del 2010 .La aplicación fue diseñada para iPhone  y a su vez está disponible para Pad y iPod  con el sistema iOS 3.0.2 o superior pudiéndose descargar desde el App Store y desde su página web.

En enero de 2011 Instagram añadió hashtags para ayudar a los usuarios a descubrir las fotos que los demás usuarios compartían. El 3 de abril de 2012 salió la versión abierta al público para Android. Algunas semanas antes, Instagram había anunciado que estaba llevando a cabo pruebas en Android mediante una beta cerrada. En dicho momento, se dio la posibilidad de registrarse en una web para recibir un aviso una vez fuera lanzada la aplicación final, lo cual hicieron unas 430.000 personas.

La versión para Android  está disponible para descargar desde Google Play, lo que ha contribuido a aumentar considerablemente su popularidad.

La compañía ha sido comprada por Facebook por mil millones de dólares. La gracia de esta aplicación es la espontaneidad que conlleva. Al ser una aplicación que habita en tu teléfono, la interacción es inmediata. Además de algún modo fuerza tu creatividad, y hace que experimentes con la imagen, aunque solo sea con la excusa de crear material para subir.

Autor: Adriano Fortarezza

Steve Winter

Steve Winter está en el ranking de los 10 mejores fotógrafos actuales. Lo que más llama la atención de este fotógrafo son sus increíbles fotografías de animales. Ha ganado múltiples premios, entre ellos el de la BBC: mejor fotógrafo del año dedicado a  la vida salvaje. Se requiere una enorme paciencia para encontrar el momento adecuado para poder fotografiar de forma correcta a estos animales. Winter  lleva este estilo a un escalón por encima, captando incluso expresiones y momentos poco habituales en este tipo de fotografía.

Steve Winter se crió en Fort Wayne, Indiana. Desde pequeño soñaba con ser un fotógrafo de la revista estadounidense National Geographic. Su primera cámara  fotográfica fue un obsequio de su padre, cuando tenía siete años. Se mudó a California para estudiar en la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, donde comenzó a trabajar como asistente del fotógrafo de la National Geographic Michael Nichols.

Actualmente y desde 1991 trabaja para National Geographic  fotografiando fauna salvaje acompañado por un equipo de científicos. Persiguió durante seis semanas al leopardo de la nieve en India, especie en peligro de extinción que habita en las montañas de Asia Central, a los osos gigantes de Kamchatka en Rusia, a los jaguares en la selva amazónica y fue acechado por un oso pardo en Siberia. Quedó preso en las arenas movedizas de Birmania, fotografió volcanes en erupción y visitó las aldeas más remotas del globo.

Su trabajo más reconocido es  Snow Leopard.  Este trabajo le mereció el premio Wildlife Photographer of the Year en 2008.

Otras de sus fotografías:

Autor: Adriano Fortarezza

Robert Capa, el tándem perfecto

Robert Capa es el nombre del personaje ficticio inventado por la pareja formada por Ernö Friedmann y Gerda Taro. Las imágenes tomadas por ambos fueron firmadas indistintamente con el mismo seudónimo por lo que no se sabe quien fue el autor de las mismas aunque siempre se ha relacionado más a Ernö que a Gerda con los trabajos conocidos. Ernö Friedmann nació en Budapest, Hungria y Gerda nació en Sttutgart, Alemania. Fueron conocidos por retratar como nadie algunas de las guerras más significativas del siglo XX. Capa se acercaba a la foto como nadie. Fue el primer corresponsal de guerra en utilizar cámaras de pequeño formato para contar lo que sucedía en el frente. Fotografía de Enrö en la que aparece un soldado y su compañera Gerda. Ejemplo de lo mucho que se acercaban a las escenas retratadas.

“Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es porque no te has acercado lo suficiente”

Esta frase cobra especial relevancia en boca de un corresponsal de guerra. La cercanía de sus fotografías logra transmitir toda una historia en cada imagen pues los rostros de sus personajes fotografiados representan claramente la tensión del momento.

En 1936 se trasladan a España para retratar los principales acontecimientos de la guerra civil. Allí se tomó la famosa y polémica fotografía “Muerte de un miliciano”. A pesar de ser una imagen reconocida mundialmente, se duda de la originalidad de la toma y algunos expertos afirman que se trata de un montaje.

En 1937, durante la retirada de Brunete, Gerda muere atropellada por un tanque que no consiguió esquivarla. Posteriormente, Enrö, se dedico a cubrir la segunda guerra mundial, desplazandose por Francia, Gran Bretaña, Italia y el norte de África, retratando eventos como el Desembarco de Normandía o la liberación de París.

En 1947 funda, junto a otros fotógrafos, la agencia Magnum. Durante la primera guerra de Indochina, en la que trabajaba como corresponsal para la revista Life, muere al pisar una mina.

Autor: Adriano Fortarezza