Historia de la fotografía de moda

Si no existiese la fotografía, la moda no tendría fuerza ya que "una imagen vale más que mil palabras".

En 1830 apareció la fotografía y empezó retratando la arquitectura y la naturaleza para reflejar así la realidad del mundo. En 1850 la fotografía retrataba a la nobleza y a las actrices, fue evolucionando y en los años 20 y 30 se empezaron a ver fotografías comerciales y artísticas.  Era una fotografía vanguardista que estaba influenciada por corrientes como la pintura, el descubrimiento de nuevos aspectos modernos como la luz, el movimiento, las sombras, los encuadres, etc... y el surrealismo por su interés en captar imágenes irreales. Destacan en sus inicios fotógrafos como George Hoyningen, Baron Adolf de Meyer y Edward Steichen.

Baron Adolph de Meyer

Durante la Segunda Guerra Mundial, por las circunstancias propias de la guerra, no se avanzó en el campo de la fotografía de la moda, pero una vez acabada la guerra reaparecieron las ganas de “alegrar” el mundo y motivar al consumo, con lo que dichas fotografías volvieron a estar en auge. Esto se refleja en las portadas de las revistas de la época que muestran unas imágenes en movimiento que resaltan la silueta femenina. 

Richard Avedon

En los sesenta se reflejaban en las revistas mujeres que imitaban a las niñas y hombres más sexuales evocando a los Beatles y a estrellas del rock. David Bailey, fotografiaba en primera línea acudiendo a las mejores fiestas y actos importantes. En los años 70 aparece las revoluciones sexuales y sociales como los hippies, se produce un cambio estético que rompe con la elegancia, aparece una moda muy personal y polémica que fotógrafos como Helmunt Newton y Guy Bourdin reflejan. En los 80 surge una moda más comercial y publicitaria, prevalece el consumismo y una sociedad compleja que Oliviero Toscani refleja en sus polémicas fotografias. Llegan los años 90 y con ellos el minimalismo y el auge de las supermodelos. Los fotógrafos empiezan a caracterizarse entre ellos, adquiriendo su propia personalidad en las fotografías. Algunos de los fotógrafos más representativos de la época son David Lachapelle, Mario testino, Steven Meisel.

La historia de la moda del siglo XX no puede escribirse sin hacer referencias constantes a la fotografía. Las lentes de los fotógrafos han condicionado las creaciones de los grandes diseñadores, y éstas han servido de inspiración a los principales nombres de la fotografía.


Autor: Adriano Fortarezza

Historia del fotoperiodismo

En 1980 aparece por primera vez en un periódico una fotografía reproducida por medios puramente mecánicos. Hasta entonces raramente se veían reproducciones en prensa debido a que se necesitaba hacer un grabado en madera de la fotografía para poder así reproducirla. Un nuevo procedimiento inventado en Estados Unidos permitió mecanizar este proceso sin embargo tuvieron que pasar dos décadas para que la fotografía fuera común en los periódicos. Cuando el desarrollo tecnológico de los procedimientos de impresión a gran escala fueron posibles, nació  la fotografía de prensa.  Así comenzó el uso masivo de la fotografía en los medios de comunicación, lo que provocó su expansión y aceptación por toda la sociedad.

La inclusión de la fotografía en la prensa coincide históricamente con el desarrollo del periodismo moderno capaz de movilizar masas formando identidades colectivas. La estrecha relación que ha mantenido la fotografía con la prensa se ha contemplado como un fenómeno de capital importancia en la evolución interna que han experimentado los medios de información y comunicación de masas. Su incorporación en la prensa empezó a extender el concepto de la imagen como noticia. Desde los inicios, la imagen fotográfica significó para los diarios una nueva dimensión, tanto en su función informativa como en su vertiente empresarial. Se empezó a concebir el periodismo informativo y se comenzó a buscar rentabilidad económica, alcanzándose tiradas importantes. Gracias a la fotografía se democratizaba la información que antes había controlado la elite social y económica. La prensa lanzó la fotografía al mundo sacándola de los museos y academias culturales, acercándola a las masas y dándole una consideración informativa que hasta ese momento estaba reservada solo para el texto. 

Se puede decir que la fotografía en la prensa inaugura la era visual de los medios masivos.

La fotografía como documento en la prensa periódica se presenta como una fuente primordial de la que los historiadores pueden sacar mucho partido, ya que la historia de la segunda mitad del siglo XIX y la de todo el siglo XX se encuentra en las fotografías.

Autor: Adriano Fortarezza

La fotografía como arte

La fotografía no fue siempre considerada un arte. Se fue integrando en el arte con dificultad ya que inicialmente fue una cuestión muy discutida. Se puede decir que se la empezó a considerar arte con los fotógrafos realistas. ya que sus fotografías tuvieron gran acogida como reemplazo al retrato pintado ya que su coste económico era menor por lo que muchos pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para poder sobrevivir: Félix Tournachon, Gustave Le gray...

A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo, que intentaba imitar la realidad con un elevado grado de perfección, rechazando las técnicas subjetivas y superando ampliamente a la pintura. Fue el naturalismo la que le dio a la fotografía una verdadera importancia en el arte.

A la vez, el desarrollo de la fotografía en esa época con nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, mejoró el aspecto estético de las fotos lo que también la acercó hacia el arte. Más tarde se descubrieron otras técnicas que se fueron perfeccionando hasta que fue posible tener una caja con papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla y un obturador para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara la película.

La fotografía como arte y ciencia fueron evolucionando en paralelo y en cuanto fue posible crear una cámara que era un dispositivo móvil de fácil manejo, se hizo posible influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitía trasladar la subjetividad del fotógrafo a su trabajo y así ir construyendo un lenguaje artístico.

En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo.

Félix Tournachon fue el primer gran fotógrafo de la historia. Fue sin duda el más grande del siglo XIX, hasta el punto de que en Francia en esa época no eras nadie si Nadar no te hacía un retrato.

Autor: Adriano Fortarezza

La primera cámara fotográfica

Joseph-Nicéphore Niépce

El primer fotógrafo de la historia fue Joseph-Nicéphore Niépce en 1826, que utilizaba una cámara hecha de madera fabricada por Charles y Vincent Chevalier en París. No fue hasta la invención de la fotografía «moderna» que se pudieron preservar las imágenes tomadas por esas cámaras, mientras tanto se tenían que dibujar manualmente las fotografías para conservar la imagen capturada por ellas.

La primera cámara que fue lo suficientemente pequeña como para considerarse portátil y práctica para la fotografía fue construida por Johann Zahn en 1865, aunque pasarían 90 años más para que la tecnología se percatara de las posibilidades de este aparato. Antes de cada exposición una placa sensibilizada era insertada en frente de la pantalla de observación para poder grabar la imagen. El popular daguerrotipo de Louis Daguerre utilizaba placas de cobre en el proceso, mientras que el proceso calotipo inventado por William Fox Talbot grababa las imágenes en papel.

La invención del proceso de placa mojada con collodion inventado por Frederick Scott Archer en 1850 redujo dramáticamente el tiempo de exposición, pero requería que el fotógrafo preparara y diseñara sus propias lentes, normalmente en un cuarto oscuro móvil. A pesar de su complejidad, el uso de las técnicas de ambrotipia y tintipia estuvo en auge a finales del siglo XIX.

La técnica de la «placa mojada» fue ligeramente diferente a los diseños anteriores, aunque algunos modelos (como el sofisticado Dubroni en 1864) fueron incorporando las placas dentro de la cámara misma en lugar de en un cuarto obscuro. Otras cámaras incluso tenían múltiples lentes para hacer tarjetas de visita. Fue durante esta época que el uso de los «bellows» para enfocar se popularizó.

Eastman

Sin embargo, se considera que fue Eastman el que inventó la cámara fotográfica tal y como la conocemos hoy, consiguiendo que la fotografía dejara de ser un caro capricho de unos pocos aficionados para convertirse en una afición relativamente barata y muy popular. En 1884, Eastman, patentó la primera película en forma de carrete o rollo que resultó ser práctica. En 1888 perfeccionó la cámara Kodak, la primera cámara especialmente diseñada para una película en forma de carrete. En 1892, fundó la Eastman Kodak Company, en Rochester (Nueva York) una de las primeras empresas en producir material fotográfico en serie. Esta compañía también fabricó la película transparente flexible, concebida por Eastman en 1889, que resultó decisiva.

Autor: Sandra Fernández Martínez

La fotografía en la publicidad

La fotografía utilizada en publicidad es distinta de los demás géneros fotográficos en muchos aspectos. Su utilidad le exige que se adapte a los intereses comerciales que tienen como objetivo el aumento de las ventas o servicios. Si el anunciante consigue aumentar el número de ventas es cuando se valora positivamente la capacidad publicitaria de la fotografía. La fotografía publicitaria, por otro lado, no está comprometida con la realidad como, por ejemplo, la fotografía de prensa. Es decir, la fotografía publicitaria muchas veces se inspira en la realidad pero lo que nos representa por medio de sus imágenes es una realidad construida.

A diferencia de otros tipos de fotografía, donde el fotógrafo tiene que estar alerta para obtener la imagen, la fotografía publicitaria construye la escenografía igual que en el cine, y el fotógrafo se limita a captar la escena valiéndose de las técnicas de iluminación y demás métodos. En el caso de que el fotógrafo no obtenga la imagen diseñada en el primer disparo tendrá más oportunidades, tantas como sean necesarias. 

Esta forma de construir las imágenes, le dota de una libertad abierta y totalmente en manos del fotógrafo con tal de que la imagen sea la idónea para el éxito de la campaña publicitaria. El término manipulación no resulta peyorativo al referirse a este tipo de fotografías porque los receptores saben diferenciar entre una fotografía de prensa y una publicitaria, el fotógrafo sólo tiene un límite: la imaginación. Puede recurrir a todo tipo de técnicas y trucos a diferencia de los reporteros gráficos de prensa, que pueden ser acusados de manipuladores.

En relación con la fotografía artística, la fotografía publicitaria sí está más comprometida por lo que decíamos anteriormente. La fotografía artística puede estar justificada tan sólo por la creatividad. Basta con que una fotografía reciba la denominación de artística para que sea observada como tal, no exigiéndole ninguna responsabilidad más allá de su propia justificación como obra de arte. En la fotografía publicitaria la justificación está en la funcionalidad de la imagen, en el éxito de la campaña, en que cumpla su objetivo real, pero no por ello dejan de tener cualidades artísticas.

Autor: Sandra Fernández Martínez

El surrealismo

El surrealismo es descendiente directo del dadaísmo. En ambos estilos hay diversas pautas estéticas similares, pero no son idénticos.

El surrealismo como vanguardia fue fundado a principios de los años 20 por André Bretón. El artista francés sentó las bases del movimiento en el manifiesto publicado en 1924. Surgió como un estilo literario pero pronto se extendió a otras artes, entre ellas la pintura y la fotografía.

André Bretón describió el surrealismo como el automatismo psíquico puro. A través de este automatismo el artista intenta expresar cómo funciona realmente el pensamiento humano. La razón no intervendrá en sus manifestaciones y dejará de lado las preocupaciones morales o estéticas.

Es por todo esto por lo que el mundo onírico de los sueños adquiere una importancia notable. Técnicas como la escritura automática serán muy empleadas por los surrealistas.

El surrealismo inundó la fotografía de artistas como Man Ray que ya había practicado el dadaísmo. Tomó de este movimiento algunas técnicas como el collage y las llevó más allá creando otras nuevas. Los llamados "object trouvé" u "objetos encontrados" serán ampliamente representados en la fotografía surrealista.

Otras técnicas muy extendidas en el mundo de la imagen son los rayogramas de Man Ray, las schadografíasde Christian Schad o los fotogramas de Moholy-Nagy.

El modo de trabajar de estos fotógrafos se basaba en el automatismo, en la representación inconsciente de la realidad y en la manipulación de sus imágenes.

Autor: Sandra Fernández Martínez

Daguerre y el daguerrotipo

En 1829 Daguerre y Niépce formaron una sociedad en la a Niépce se le reconcía como inventor. Muerto éste en 1833, el invento pasó a manos de Daguerre.

El hijo de Niépce heredó los derechos del padre en su contrato, pero después de varias modificaciones; aprovechando la maltrecha economía del heredero, el nombre de Daguerre sería el único que apareciese como creador del invento.

Lo perfeccionó con la acción del vapor de mercurio sobre el yoduro de plata y luego con la posibilidad de disolver el yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.

El lanzamiento se produjo de 1838 a 1839. Daguerre se convierte en una eminencia reconocida y premiada. Inmediatamente comienza a fabricar una serie de material fotográfico haciendo demostraciones en público; una de ellas quedó reflejada en un librito de doce páginas de gran rigor, publicada y descubierto el secreto que encerraba. Sin aportar ninguna nueva mejora importante muere en 1851.

Daguerre al contrario de Niépce aportó el lado mercantilista y espectacular con un procedimiento cuya originalidad le era propia. Aunque se trataba de algo costoso y de difícil manipulación, que tan solo producía una prueba única no multiplicable. Pese a sus defectos se propago por todo el mundo, abriendo definitivamente el camino a la fotografía.

Autor: Sandra Fernández Martínez

Desde la cámara oscura

La idea de la fotografía nace como síntesis de dos experiencias muy antiguas. La primera es el descubrimiento de que algunas sustancias son sensibles a la luz. La segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura.

La máquina oscura de la que deriva la cámara fotográfica, fue realizada mucho tiempo antes de que se encontrara el procedimiento para fijar con medios químicos la imagen óptica producida por ella.

Aristóteles, filósofo griego que vivió en Atenas entre 384 y 322 a. C, afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta la imagen invertida del exterior.

La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos de Leonardo da Vinci (1.452-1.519).

En la antigüedad los artistas disponían de una habitación oscura en la que entraban para fotografiar un paisaje circundante, pero estos montajes e instrumentos, tenían un gran inconveniente, eran muy poco manejables. Hacia la segunda mitad del siglo XVII se inventó una mesa de dibujo portátil siguiendo el principio de la cámara oscura.

Era una gran caja de madera, cuyo lado delantero estaba cerrado por una lente, el artista dirigía esta caja hacia donde quería y copiaba la imagen fotografiada sobre una cartulina semitransparente, apoyándola en un cristal situado en la parte superior. Este artilugio, fue utilizado durante varios siglos por artistas pintores, incluyendo de entre ellos dos personalidades famosas, como; Canaletto y Durero que lo utilizaban para recabar apuntes con bastante precisión en la perspectiva.

Autor: La pupila digital

"La Fotografía Publicitaria" Raúl Eguizabal

La aparición de la fotografía publicitaria está muy ligada a la de la publicidad propagandística. Surgió cuando fue necesaria. La fotografía propagandística se beneficia de la “huella de realidad”, mientras que la publicitaria busca algo más místico y mágico.

De todos modos, la fotografía publicitaria no quedó delimitada hasta los años 70, cuando los elementos gráficos pasaron a tener un papel preponderante en la publicidad en detrimento de los elementos verbales. La combinación verbo e ilustración queda absorbida por el tándem fotografía-verbo.

Desde la aparición de la fotografía, ésta ha mediatizado las bases del resto de medios. Exceptuando la radio. La fotografía está impregnada de realidad, aunque la sirve tan en bandeja que se plantea la producción de una relajación en exceso por parte de los espectadores hacia la fotografía.

Cabe destacar la distinción entre fotografía publicitaria y la periodística/artística. Éstas últimas están más preocupadas por crear belleza que por captarla, y además se permiten la dureza, algo que la publicitaria trata de evitar.

Autor: La pupila digital

Nacimiento de la fotografía publicitaria

En la sociedad actual prima la imagen ya que sin ella no podría comunicarse el ser humano. La publicidad ha creado multitud de marcas, observamos a nuestro alrededor y vemos miles de imágenes, logos, marcas que nos acercan a un producto o a una idea.

Cuando se descubrió la fotografía, los medios de comunicación enseguida se dieron cuenta de la importancia de las imágenes. Es imposible imaginarse un mundo sin publicidad y publicidad sin fotografía, van codo a codo y a menudo la fotografía representa el núcleo de una publicidad.

Dentro de la imagen, la fotografía es la que más fácilmente se adapta a los requisitos publicitarios. En primer lugar, la fotografía se encuentra en los niveles de iconicidad más altos. Se reconoce fácilmente el producto, sus beneficios, sus usos y/o el público al que se dirige. En segundo lugar, esta alta iconicidad también contribuye a resaltar el carácter de veracidad que pretende la publicidad ya que la imagen fotográfica se diferencia poco del referente real al que representa.

Las bases de la fotografía publicitaria comenzaron a finales del siglo XIX. En este tiempo el uso de la fotografía publicitaria fue muy limitado porque los costos de reproducción eran muy grandes. Este tipo de fotografía como la conocemos hoy en día, surgió un poco más tarde junto con las mejoras en los papeles, tintas e imprentas para llegar a la fotografía en color.

A finales de los años 20 se reconoció la fotografía publicitaria como un poderoso medio para atraer a potenciales compradores de productos. Con la ayuda del cine, que promocionó la aceptación de las fotografías publicitarias, la disciplina se hizo con el dominio de la comunicación publicitaria después de la I Guerra Mundial.

La fotografía publicitaria primero apareció en los países capitalistas, como la mayoría de los países europeos y EE.UU.

Durante los años 30 surgieron fotógrafos publicitarios entre los que destacaron Herbert Bayer, Cecil Beaton, Laure Albin- Guillot, Man Ray y Moholy- Nagy, Richard Avedon y Helmut Newton. Su trabajo se orientaba principalmente a la fotografía para revistas y agencias de publicidad. En Japón, por ejemplo, los fotógrafos estaban un paso por delante; sus fotografías tendían más hacia un estilo modernista con el empleo de primeros planos, tomas de distintos ángulos y montajes.

Después de la Segunda Guerra Mundial empezó el montaje de la imagen y se empezó a utilizar en el mundo de la moda. En esta época se empieza a utilizar la fotografía publicitaria para conceptos más cotidianos. Con todo esto se cimentaron las bases de la fotografía publicitaria que nos ha ido acompañando a lo largo de nuestra vida, llegando hasta la digitalización actual.

Autor: La Pupila Digital